COVID-19 e la morte del musicista borghese

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L’industria musicale è stata interrotta molto tempo prima che COVID-19 la chiudesse. La musicista nata a Montreal Allison Russell sapeva che anni prima che il mondo crollasse su se stesso, lo sapeva i 200 giorni all’anno che trascorreva in tour con le sue band Our Native Daughters, Birds of Chicago o Capitol Sun Rays.

Sapeva che si esibiva in Europa a 40 settimane di gravidanza, lo sapeva quando si ritrovò di nuovo a viaggiare per il paese prima che sua figlia, Ida, avesse persino compiuto quattro settimane, e lo sapeva quando Ida disse che non poteva affrontare la vita sul strada più.

“In realtà ha avuto un intervento con suo padre”, ha ricordato Russell. “Ida ha detto: ‘Voglio andare a scuola. Non voglio più essere una band-baby.'”

Quindi, quando la pandemia ha interrotto la scena musicale dal vivo, l’ha colpita come una benedizione sotto mentite spoglie. Per la prima volta, Russell ha avuto la capacità di concentrarsi sulla sua scrittura e sulla sua carriera da solista, un focus che l’ha portata nella lista dei 10 artisti di Rolling Stone da tenere d’occhio nel 2021, e con un album in uscita nella tasca posteriore dei pantaloni.

Ma nonostante abbia raggiunto quella che sembrava essere la sua grande occasione, finanziariamente Russell stava facendo peggio che mai. Era sfuggita al “modello dei tour di sussistenza”, ma aveva perso tre quarti del suo reddito in un settore che già lottava per sostenere gli artisti.

È un problema familiare ai creatori di tutto il mondo. Poiché lo streaming ha continuato a soppiantare le vendite di dischi e altre tradizionali fonti di reddito negli ultimi dieci anni, i musicisti sono stati costretti a fare sempre più affidamento su programmi di tour senza fine.

Ma poi COVID-19 ha sovraccaricato il problema. La morte della musica dal vivo ha lasciato a molti artisti poco o nessun modo per mantenersi, minacciando l’esistenza stessa del “musicista della classe media”.

GUARDA | Allison Russell sulla vita di un musicista della classe media:

La musicista nata a Montreal Allison Russell afferma che lo streaming ha reso quasi impossibile sostenere una carriera come musicista della classe media. 0:53

“[What] quando questi muri sono crollati è stato davvero colpito da quanto fosse precaria la nostra esistenza “, ha detto Russell.

“Questo ci ha costretti a dover reimpostare, e pensare davvero a cosa stavamo parlando esattamente. Come possiamo avere carriere sostenibili andando avanti?”

L’arte prospera mentre gli artisti lottano

Nonostante le chiusure di massa di aziende, le persone non hanno smesso di spendere per l’arte durante la pandemia, in molti casi il contrario.

Ricerca di sfondi Zoom perfetti, le vendite d’arte salirono alle stelle; Il pubblico televisivo è aumentato per la prima volta in quasi un decennio, e sia la Recording Industry of Association americana che la British Phonographic Industry hanno riportato un aumento del consumo di musica.

Ma per i musicisti stessi, il gioco è diverso. Nonostante gli ordini restanti a casa spingano le persone a consumare più arte, il passaggio dell’industria musicale dai ricavi degli album a un modello di streaming ha impedito agli artisti di vedere i benefici di tale crescita.

Steve Sainas, musicista ed educatore con sede a Port Coquitlam, BC, afferma di aver assistito a quei cambiamenti in prima persona nei quattro decenni trascorsi come musicista professionista.

“Come artista discografico, siamo passati dall’essere in grado di vendere CD e di essere in grado di recuperare il nostro investimento su un album ad oggi: CD, album, prodotti fisici, persino i download di MP3 sono diventati quasi obsoleti”, ha detto. “Direi che il 99% delle persone riproduce in streaming la propria musica e lo streaming non paga”.

Il musicista e insegnante di musica Steve Sainas ha lanciato una petizione per garantire un salario dignitoso ai musicisti. Dice che lo stato attuale del settore è insostenibile. (Inserito da Steve Sainas)

L’industria musicale è fondamentalmente suddivisa in tre rami separati: musica registrata, licenze musicali e musica dal vivo. Dove la musica registrata – le vendite fisiche di album – una volta era il pane quotidiano per i musicisti, prima l’avvento di piattaforme di pirateria come Napster, e poi il graduale passaggio a servizi di streaming come Spotify, Amazon e Apple Music hanno reso quel quadro insostenibile.

“Per poter guadagnare un salario minimo, un salario minimo annuo di $ 30.000, ho bisogno di guadagnare sei milioni di stream al tasso medio di royalty di mezzo centesimo per ascolto”, ha detto Sainas. “Questo è irraggiungibile.”

Per questo motivo, la musica dal vivo è diventata il modo principale per gli artisti di sostenersi. Infatti, entro il 2016, oltre la metà della spesa per la musica dei canadesi è andato verso la musica dal vivo. Ma con la pandemia, quella stampella è scomparsa, costringendo i musicisti a concentrarsi ancora una volta sull’industria della musica registrata, anche se è stata fondamentalmente rotta per anni.

Se non viene risolto presto, ha detto Sainas, ci sono poche possibilità che gli artisti siano in grado di sostenersi in futuro, tanto meno di superare la pandemia.

La fine della “scaletta della sede”

Al di là dei musicisti che rimangono a galla nel settore, irrompere è diventato più difficile che mai. Erin Benjamin, CEO della Canadian Live Music Association, ha spiegato che il modo in cui la maggior parte dei musicisti ottiene una piattaforma è attraverso la “scaletta del luogo” – suonare in luoghi “incubatori” locali più piccoli per creare un pubblico.

Adesso, 64 per cento dell’industria della musica dal vivo in tutto il Canada rischia di chiudere prima che la pandemia finisca, e il passaggio ai concerti Zoom ha di fatto chiuso fuori gli artisti emergenti.

“È molto più difficile se sei un artista emergente. Ora stai gareggiando contro artisti famosi che sono anche in live streaming e tutti gli altri tuoi colleghi nel paese”, ha detto Benjamin. “È molto più difficile distinguersi.”

Andrew Fedyk e Joe Depace, attuali candidati a Juno e membri del gruppo di DJ Loud Luxury, hanno detto di aver assistito alla stessa cosa. Durante la pandemia, hanno curato la loro serie di video “Beyond Boredom”, suonando concerti con una serie di “ballerini d’aria” gonfiabili.

Era un modo per entrare in contatto con i fan mentre era costretto a evitare gli spettacoli dal vivo. Ma stanno usando i social media per sostenere un pubblico che avevano già durante la pandemia, non per ottenerne uno nuovo del tutto.

GUARDA | “Beyond Boredom” di Loud Luxury:

Fedyk ha detto di essere preoccupato di come i musicisti possano costruire il proprio pubblico senza la scaletta del luogo.

“Ogni artista – anche quelli come The Weeknd – hanno iniziato tutti in luoghi molto, molto piccoli, come noi”, ha detto. “Sai, fa parte della tua crescita.”

Ci sono stati altri tentativi recenti di cambiare il modo in cui i musicisti operano nel settore: i musicisti di alto profilo hanno scelto di vendere i loro interi cataloghi di testi di canzoni invece di cimentarsi con l’industria così com’è, sebbene questa non sia un’opzione per i musicisti della classe media.

Il musicista e imprenditore Jay-Z ha venduto il suo servizio di streaming Tidal, che ha l’obiettivo dichiarato di “creare un modello più sostenibile e pratico per l’industria musicale – per il CEO di Twitter Jack Dorsey, ma negli ultimi anni ci sono state voci sul servizio in difficoltà.

E i Kings of Leon sono diventati la prima band a pubblicare un album come NFT – un modo basato sulla criptovaluta per autenticare l’arte e dare ai fan l’accesso a contenuti esclusivi – ma il modello è stato criticato per l’enorme impatto ecologico degli NFT.

Il piano di Sainas, nel frattempo, era quello di inviare una petizione al governo della Columbia Britannica chiedendo un Fondo di sostegno per i musicisti canadesi in corso per garantire ai musicisti un salario dignitoso annuale.

Il musicista di Brooklyn Cody Fitzgerald ha co-fondato l’Union of Musicians and Allied Workers (UMAW) con un obiettivo dichiarato in modo simile: correggere il modo in cui gli artisti vengono pagati dalle piattaforme di streaming.

Nelle azioni globali “Justice at Spotify” pianificate per il 15 marzo, chiedono un centesimo per streaming dal servizio di streaming, tra le altre modifiche. È un cambiamento fondamentale senza il quale, dice Fitzgerald, la musica come carriera potrebbe uscire per sempre dalla classe media.

GUARDA | L’industria musicale ha bisogno di un salario minimo per i musicisti, afferma il co-fondatore di UMAW:

Il musicista di Brooklyn Cody Fitzgerald ha detto di aver co-fondato l’Unione dei musicisti e dei lavoratori alleati per contribuire a garantire un salario di sussistenza ai musicisti. 1:06

“Voglio dire, dico ‘musicisti della classe media’ e poi rido, ma questa è la verità”, ha detto Fitzgerald, spiegando che i costi associati alla registrazione, al tour e al marketing di un album possono essere astronomici.

Tutti questi sono tuttavia i primi passi, passi incrementali verso una revisione del sistema che gli artisti sono costretti a utilizzare. Perché se il modo in cui è strutturato il settore non cambia presto, ha detto, potrebbe essere escluso per sempre da chiunque non inizi ricco.

“Questo argomento Justice at Spotify è la versione iniziale di un argomento sul salario minimo per i musicisti”, ha detto. “Ci meritiamo un salario minimo in questo lavoro, perché è lavoro”.

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